Виртуальная выставка одного экспоната

Алексей Денисенко. Портрет горянки.

Материал:  гипс, литье.

Место создания: г. Нальчик.

Год создания: 1973 г.

 

Творчество заслуженного художника КБР, А.М. Денисенко, многогранно – портрет, жанровая композиция, малая пластика, декоративно-монументальные формы. В камне, дереве, мраморе. Прекрасный рисовальщик, создающий свои многочисленные работы – углем, акварелью, пастелью, сангиной. Его талантливо решенные работы в технике коллажа на выставках привлекают всеобщее внимание.

Но, думается, портрет конкретного человека составил основную линию его творчества. Экспонируемые на выставках престижного уровня разных лет и вошедшие в фонды музеев Кабардино-Балкарии и городов России, они составили яркую страницу в российской художественной культуре. В них отразилась не только черты характера  портретируемого – в них жизнь, дыхание времени, трепетное биение сердца человека. В них мысли и чувства художника. Это портреты композитора Хасана Карданова, селекционера Ивана Ковтученко, художника Виктора Абаева, портреты людей, близких художнику по душевным качествам…

Другая составляющая его творческой жизни – работы монументального-декоративного плана. Являясь эмоциональными акцентами архитектурного пространства республики и города, они существенно воздействуют на сохранение исторической памяти.

Творчество А.М. Денисенко органично вошло в художественную культуру Кабардино-Балкарии. Портреты и жанровые композиции находятся в фондах музеев. Многие акварельные, пастельные работы и коллажные композиции стали подарками и украсили интерьеры друзей скульптора.

Его монументально-декоративные произведения стали неотъемлемой частью нашего города, нашей республики.

 

ХАМИД САВКУЕВ.  ПОСТРИЖЕННАЯ ОВЕЧКА

Материал:  бронза.

Размер: 15х41х18 см.

Место создания: г. Санкт-Петербург.

Год: 2009 г.

 

Известный художник-монументалист, академик Санкт-Петербургской  академии художеств имени И. Репина, член-корреспондент Российской академии художеств, народный художник Кабардино-Балкарской республики Хамид Савкуев является одним из ярких представителей современного российского искусства.

В собрании Северокавказского филиала Государственного музея искусства народов Востока представлено одно скульптурное произведение Хамида Савкуева – «Постриженная овечка». Художник прекрасно передает состояние животного после ритуальной осенней стрижки. Он умело использует то чувственное начало, которое заключено в бронзе. В этом ощущается уважение к материалу, с которым работает художник, а найденная автором мера обобщения формы, как и роль немногочисленных деталей, сообщают образу естественность и неповторимость. 

Савкуев родился в Казахстане в городе Джамбул в семье переселенцев из Кабардино-Балкарии, которая спустя годы вернулась на родину в Нальчик. Посещение мастерской известного на Северном Кавказе художника-монументалиста Анатолия Сундукова определяет будущую профессию Хамида. Он заканчивает художественно-графический факультет Педагогического института в Ставрополе, а затем с отличием – Петербургский институт живописи, скульптуры и архитектуры.

Генеральный директор Государственного музея искусства народов Востока, доктор исторических наук А.В.  Седов, высоко оценивая творчество мастера, пишет о нем: «Хамид Савкуев – художник, которого с полным правом можно назвать представителем нескольких традиций. Будучи выпускником знаменитого Санкт-Петербургского государственного академического института живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина (отделение монументальной живописи, мастерская проф. А. А. Мыльникова) в своем творчестве он продолжает традиции русской академической школы. В тоже время его произведения пронизаны традиционным народным искусством его родной земли, Кабардино-Балкарии. Величественная природа Кавказа, быт и обычаи горной страны в картинках Хамида превратились в эпические сказания. Лаконичный и яркий язык простых и метафоричных образов делает эти сказания понятными для людей разных религий и этносов. И не случайно монументальные росписи Савкуева украшают как светские здания, так и православные храмы, а его работы хранятся в музейных собраниях Испании и Китая, украшают частные собрания коллекционеров из России, Голландии, Франции, Германии, США. Талантливый художник, отличный педагог, скромный человек представляет нам свое видение мира. Это видение сродни эпосу, который берет свое начало в глубине веков и продолжает создаваться на наших глазах. Художник помогает нам увидеть мир без мелочей и суеты – сущностный и величавый, в котором есть Добро и Зло, Любовь и Ненависть, Жизнь и Смерть».

 

Пространство

Мазлоев Руслан Замирович. 2021 г.

Республика Кабардино-Балкария, г. Нальчик.

Материал, техника: рогоз, плетение.  128,5/84 см.

Из фондов СКФ Государственного музея Востока.

Одним из традиционных видов адыгского декоративно-прикладного искусства издревле является изготовление узорных циновок. Адыги создавали циновки, разнообразные по своему орнаменту и цвету. Для плетения использовали рогоз, лозу, ореховые листья и солому. Прежде, чем начать плести циновку - арджен надо было придумать его рисунок и композицию, которые тонко подчинялись фактурным возможностям рогоза. Адыги издревле занимаются плетением. Об этом свидетельствуют археологические находки в Адыгее, Черкесии и Кабардино-Балкарии.

Искусство плетения постепенно возрождается, сегодня занимаются мастера, которые сохраняют и продолжают традиции древнего ремесла. В числе таких мастеров и Руслан Мазлоев – молодой художник из Кабардино-Балкарии, мастер плетения арджэн – адыгской (черкесской) циновки. 

Произведениехудожника Мазлоева Руслана «Пространство» является прекрасным об­разцом современного декоративно-прикладного искусства адыгов. Выполнено в традиционной технике плетения, из природного материала – рогоза и представляет историко-культурный и художественный интерес.

В композицию данного произведения автор привнес природный орнамент, так напоминающий следы насекомых, подчеркивая единение природы и человека. Художник импровизирует с фактурой и символикой циновки, создавая оригинальное цветовое и геометрическое решение. Руслан создает новое авторское искусство, уверенно опираясь на традицию. Искусство для созерцания и погружения.

Мазлоев Руслан Замирович -- родился в 1986 году в селении Алтуд Республики Кабардино-Балкария.  Окончил колледж дизайна КБГУ, затем факультет декоративно - прикладного искусства Кабардино-Балкарского государственного университета.   С 2012 года член Союза художников РФ.

Свои первые уроки в плетении циновок Руслан получил от своей матери, которая создавала великолепные по своей красоте циновки. Руслану удалось не только перенять навыки плетения традиционной циновки, которая зачастую носила функциональный характер, но и возвести циновку в ранг современного искусства. Это получилось благодаря использованию различных форм, игре фактур и даже объемов.

Мастер не использует никаких станков и других технических приспособлений. Работа полностью ручная. Главный его принцип: - все в циновке должно быть натурально - это традиция. Но есть и новшества - художник ушел от классического плетения, и придумывает новые техники.

Материал для своих работ Руслан собирает сам. С его слов, это не сложное дело, гораздо труднее довести заготовку до готовой продукции, он очень трудоемкий и занимает несколько этапов.

Материал (рогоз) диктует часто форму, цвет, сюжет: растения становятся сами источником вдохновения. Дно водоема расписано насекомыми, которые в больших количествах обитают в тех местах, где автор собирает траву. И корни самих растений, порой так переплетаются, образуя свой неповторимый природный орнамент. Художник, наблюдая за живой природой, использует этот опыт в своих работах.

Мазлоев ведет активную работу с детьми и студентами, стремясь сохранить и развить традиционное мастерство. Преподает в Институте дизайна КБГУ и городском центре эстетического воспитания детей им. Жабаги Казаноко в г. Нальчике.

Руслан Мазлоев организовал и провел 16 персональных выставок в разных городах России, принимал участие в Международной выставке искусств и ремесел, прошедшей во Флоренции и Гамбурге.

Его работы находятся в музеях и частных коллекциях России, США, Германии, Финляндии, Франции, Бразилии, Турции.

У зеркала

Лиховид Георгий Иванович.  2003 г.

г. Ростов-на-Дону. 

Материал, техника: сталь, эмаль.

Из фондов СКФ Государственного музея Востока

 

В центре композиции – женщина, разглядывающая себя в зеркале. Она смотрит в зеркало и поправляет прическу. На ней платье с пуговичками по разрезу и широким поясом - оби (пояс оби является непременной принадлежностью национального костюма японцев). Пояс орнаментирован изображениями бабочек и растительным узором. Таким же орнаментом украшен пуф, на котором восседает молодая женщина. Фон белый, рисунок линейный, процарапан по эмали, по верхнему краю – каплеобразная выколотка с прожилками, отдельные детали прически, части лица, фрагменты орнамента выделены красным и черным цветом.

Преувеличивая зеркальную композицию, автор не только подчеркивает величие женской красоты, но и придает завершенность лирической зарисовке в произведении.

Лиховид Георгий Иванович -- известный российский художник, заслуженный художник России, профессиональный художник-монументалист, живописец, график, родоначальник Донской горячей эмали.
Родился 8 апреля 1948 года в г. Луганске. В 1963г. с «отличием» окончил художественную школу г. Луганска. В 1974г. окончил Одесский пединститут им. К.Д. Ушинского, художественно-графический факультет. В 1983г. окончил Санкт-Петербургскую Государственную художественно- промышленную академию (быв. ЛВХПУ им. В. И. Мухиной), факультет монументальной живописи. С 1974 года участник более 300 выставок в России и за рубежом.

С 1983 года экспонировались 106 его персональных выставок в России и за рубежом.

Высокая культура эмалей Георгия Ивановича строится на органично точных расчетах композиционного решения, легкой пластике, отсутствии хаоса, ложных эффектов и профессиональной законченности (вплоть до рам).

Стать источником наслаждения по обе стороны эмали — в этом особая заслуга художника. Георгий берет темы, с определенной долей условности и аллегоричности. Его образы и понятны, и открыты. Любую тему Лиховид любит и восхищается, мастерски показывая с эффектного ракурса (тут и линия, и форма, и декоративная наполненность, и цвет). Творческий процесс отражает путь от натурных впечатлений до создания художественного образа, где есть место и строгой лаконичности, и нежной лирики. Фон в произведении — не предметен, а скорее абстрактен и деформирован до крайности. В каждом развороте силуэта — есть своя логика и взвинченность внутренней энергией. Несмотря на многочисленные символы и деталировку, Лиховид профессионально избегает засоренности образа и распада формы. Благодаря своему образованию, художник ориентирован на лучшие образцы мировой художественной культуры. Не приходится сомневаться в его профессиональном внимании к древнерусскому и японскому искусству, кубизму, творчеству Матисса, Пикассо, Кандинского, Леже.

Георгий Иванович обладает уникальной, сложнейшей техникой, он создает совершенные по композиции и цвету работы, образы, сюжеты, как будто свободно «пишет» горячей кистью по металлу, он управляет огнем, подчиняя его своим замыслам. Все гармонично в работах, вплоть до авторского оформления.

Кружечка

Материал, техника: глина, формовка на круге, гравировка, штамп, обжиг

Размеры: 5,9х7,3 см

Время создания: II в. до н. э.

Место обнаружения: Республика Адыгея, могильник Псенафа, курган № 1, погребение 73.

Меотская керамика достаточно редко орнаментировалась, поэтому столь уникальной оказалась находка небольшой кружечки с прочерченным по сырой глине изображением яблоневых деревьев со штампованным изображением «яблочек» из погребения 73 могильника Псенафа. Этот сосуд стал своеобразным доказательством того, что на территории современного Майкопа (с адыгейского Мыекъуапэ – «долина яблонь») в это время уже росли яблоневые сады.

Кружечка красноглиняная плоскодонная, нижняя часть тулова – усеченно-биконическая; верхняя – цилиндрическая, венчик отогнут наружу; ручка, сложнопрофилированная в сечении, крепится одним концом к краю сосуда, другим – к нижней части тулова; вся поверхность сосуда, за исключением дна, покрыта гравированным орнаментом: в нижней части тулова имеется три зигзагообразные линии, выше по тулову идет орнаментальный фриз, имитирующий деревья с кружками – «плодами», выше по венчику – еще одна зигзагообразная линия, и две зигзагообразные линии проходят по внутренней стороне отогнутого венчика; ручка сосуда покрыта косыми насечками.

Жозефина Буль. Панно «Герой калмыцкого эпоса «Джангар»

Автор: Буль Жозефина Михайловна (1928-2015).

Материал, техника: шелк, х/б ткань, бархат, парча, пуговицы, жесть, пластиковые бусы, стразы, натуральный мех, лебяжий пух, павлиньи перья, фольга на картоне, декоративная сетка из парчовых нитей, искусственная кожа, атлас; аппликация.

Размер: 184х102 см.

Место создания: г. Москва.

Годы создания: 1970-1990 гг.

В собрании Северокавказского филиала Государственного музея Востока представлена уникальная  коллекция сценических калмыцких национальных  костюмов и предметов декоративно-прикладного искусства, подаренная в 2013 г. автором Жозефиной Михайловной Буль.

Представленное произведение «Герой калмыцкого эпоса хан Джангар»из коллекцииЖозефины Буль - сюжетное, многоцветное панно.  На нем изображен главный герой эпоса - богдо-хан Джангар – собирательный образ сказочного богатыря, символизирующий добрую народную силу, защищающий родную землю от врагов.

Декоративность и пышность композиции произведения, красота и насыщенность колорита, тонкая разработка деталей переднего плана в сочетании с обобщенной передачей фона – горного пейзажа в приглушенных бежево-зеленых тонах -  позволяют говорить о мастерстве художника. Большое внимание уделено передаче различных фактур тканей, гармонично подобраны тона в передаче мужественного с крупными чертами лица. Цветовая гамма одежды яркая, преобладают   красный, золотисто-серебристые цвета. Композиция насыщена деталями, изображением воинских атрибутов.  Рама из велюровой и парчовой ткани. В левой и нижней части обрамление, имитирующее копья с наконечниками в форме трилистника – символа, олицетворяющего уверенность, смелость и бесстрашие.

Уникальность творчества художника проявилась в создании ярких индивидуальных характеристик образов, в умении найти необходимую степень обобщения для выразительности художественного образа, а также, пользуясь средствами художественной вышивки, учитывая специфику материала, достичь большого декоративного эффекта.

Жозефина Буль родилась в Москве в 1928 г. Специализацию художника по костюмам получила в Московском театрально-производственном комбинате. Многолетняя творческая дружба московского художника-модельера с Государственным ансамблем песни и танца Калмыкии «Тюльпан» завязалась в начале 70-х годов прошлого столетия, когда  к ней обратились с просьбой подготовить эскизы сценических костюмов для ансамбля. В течение двадцати лет  Жозефина Буль работала над костюмами и предметами декоративно-прикладного искусства для концертных программ ансамбля «Тюльпан», которые  поражали зрителей своим необычным колоритом, оригинальностью и яркой цветовой гаммой.

Коллекция получила мировое признание, несколько раз экспонировалась в Музее изящных искусств в Италии. В номинации «Лучшие сценические национальные костюмы» на международном фольклорном фестивале в Италии Жозефина Буль получила золотой кубок. В 1978 г. за заслуги в области культуры и особый вклад в возрождение калмыцкого сценического костюма Жозефине Михайловне Буль было присвоено звание «Заслуженный работник культуры  КАССР», а позже в 1997 г.  звание  «Почетный гражданин Республики Калмыкия».

 

Фрагмент ожерелья из 14 бусин

Материал: халцедон

Техника: шлифовка, сверление

Время создания: II в. до н. э.

Место обнаружения: могильник Псенафа, курган 1, погр. 76. г. Майкоп, Республика Адыгея

Халцедон является полупрозрачным минералом, скрытокристаллической тонковолокнистой разновидностью кварца. Свое название камень получил от древнегреческого города Халкидон, в котором было обнаружено его месторождение.Плиний Старший в своей Естественной истории находит халцедон «хуже прочих огнецветных камней» и свидетельствует, что обрабатывается он с трудом. Халцедоновые украшения сверлились различными способами. В этом камне значительно чаще, чем в других полудрагоценных камнях, встречаются широкие каналы отверстий. При узких каналах места начала сверления обычно отмечались бороздками, при широких – выход сверла наружу часто сопровождался выколкой, рваные края которой не всегда заглаживались.В древнем мире этот камень стал не только излюбленным материалом для ювелирных украшений, – с ним связано множество легенд и преданий.

Ожерелье было обнаружено в одном из наиболее богатых погребений кургана 1 могильника Псенафа, где в 2011-2012 гг. было открыто более 400 археологических объектов меотского времени. В верхней части курганной насыпи было обнаружено более 250 жертвенных комплексов, а в нижней части исследовано более 80 погребений. В одном из них, –  женском погребении 76, помимо упомянутого халцедонового ожерелья были найдены золотой налобный венчик, серебряная фибула, золотые серьги с изображением львиных головок, стеклянный скифос, керамические сосуды и другие ценные находки.

 

Исмаилова Раисат. Панно декоративное «Всадники»

Автор: Исмаилова Раисат Габибовна.

Материал, техника: шелковые и х/б нити; вышивка шелком вприкреп.

Место создания: Республика Дагестан, Акушинский район, с. Гапшима.

Год: 2013 г.

Родители Раисат Исмаиловой - Патимат и Габиб, учителя из селения Гапшима, в далекие 80–90-е годы стали первыми изучать и исследовать изделия быта их предков – вышитые полотняные панно. Они были первыми, кто работал с информаторами – пожилыми мастерицами, еще помнившими о технологии и назначении этих вышивок.

Замысловатые, с особым шифром знаков и линий, вышивки с легкой руки коллекционера англичанина Роберта Ченсинера стали называть «кайтагские». Звучное название «Кайтаг» привлекло Ченсинера, у которого практически не было доказательств широкого распространения этого ремесла в местности Кайтагского района, за исключением того, что в нескольких селениях им было обнаружено небольшое количество вышивок. По логике они должны были звучать как «акушинские», «гапшиминские», «даргинские»… но теперь это, вероятно, уже не важно, ибо цель была достигнута.

Благодаря знаниям и находкам семьи Исмаиловых, первому каталогу и зарубежным выставкам Ченсинера, мир узнал об уникальном народном творчестве, мир узнал о Дагестане. И теперь «кайтагская» вышивка идентифицируется как дагестанская. Она похожа на криптограммы, некие тайные схемы, карты тайных знаний. Это искусство для жизни, искусство-оберег. Красота рисунка, его многоцветье, должны были задобрить добрых духов, а особые знаки и символы, из которых составляли древние мастерицы невероятные комбинации-партии, были своеобразными стражами, охраняющим человека от злых духов.

Вышивка шелком вприкреп стала семейным делом, семейной миссией Исмаиловых. Они стояли у истоков возрождения технологии «кайтагской» вышивки, занимались реконструкцией и реставрацией, собирали орнаменты и рисунки, изучали частные коллекции и музейные собрания, собрали практически всю литературу по вышивкам, изданную во всем мире. По просьбе Р. Ченсинера Патимат Исмаиловой также была воссоздана одна из самых известных вышивок «Всадники».

Раисат Исмаилова родилась в 1975 году. Она окончила факультет востоковедения Дагестанского Государственного университета. По примеру своей матери Патимат, более 20 лет назад она взяла в руки пяльцы и начала вышивать новые «кайтагские» вышивки по старым образцам.

Используя натуральные и синтетические ткани и нити, комбинируя их разную плотность и фактурность, она воспроизводит очень точно все дошедшие до нее узоры и элементы, по фрагментам осуществляя реконструкцию полного рисунка. Прежде чем нанести рисунок на ткань, мастерица создает тысячи набросков, эскизов, прорисовок. Повторяя раритеты, она изготавливает и много собственных произведений. Хорошо владея языком «кайтагской» вышивки из ее «букв» и «слов» она составляет собственные картины, и это уже другое искусство – искусство продолжения и сохранения древних традиций на современном языке интерпретаций и обобщений.

В декоративном панно «Всадники» из собрания Северокавказского филиала ГМВ, выполненном Раисат Исмаиловой, вышиты символы, идущие из глубины веков. Это – стилизованные изображения всадников с опущенными вниз руками на лошадях, как отражение мужского и женского начала, как символы плодородия. Сочетания цветов в произведении мягкие, органичные, на зелено-коричневом фоне располагаются желтые, коричневые, белые, красные фигурки. Орнамент вышивки вызывает ассоциацию с наскальными рисунками.

Хаджумар Сабанов. Чаша для пива(кахц)

Автор: Сабанов Хаджумар Тазеевич (1929-2016) 
Материал, техника: дерево, резьба

Место создания: г. Орджоникидзе

Год: 1988

Согласно нартскому эпосу, пиво даровано осетинам высшими силами, вот почему оно настолько популярно у северокавказских народов. В одном из сказаний упоминается, как во время охоты Нарт Урызмаг увидел птицу, которая клюнула из шишки зернышко хмеля, затем клюнула зернышко солода и начала кататься по земле. Урызмаг заинтересовался необычным поведением птицы, принес ее домой и поведал жене Шатане о своем наблюдении. Жена попросила принести ей эти зерна, затем сварила из них вкусный хмельной напиток.

С тех пор осетины почитают этот дар богов и считают, что молитва, произнесенная над кружкой пива, обязательно подействует, и принесет молящемуся благодать и исполнение желаний. Пиво символизирует сок земли, дарящий жизненную энергию, силу, отвагу, изобилие.

Любое торжество у осетин начиналось с молитвы старшего к Богу. Перед ним на столе стояли три пирога, а в руках — чаша с пивом. Когда молитва заканчивалась, к старшему подходил самый младший и отрывал кусочек от верхнего пирога, стоящих на столе, и запивал его из рук старшего пивом. После этого чаша шла по кругу стола, и все участники застолья отпивали от неё несколько глотков, после чего она возвращалась опять к старшему, который допивал оставшееся пиво до конца.

Деревянная чаша для пива из собрания Северокавказского филиала Государственного музея Востока выполнена уникальным народным мастером Хаджумаром Сабановым. Чаша тонкостенная, корпус шаровидной формы, основание расположено на четырех ножках, соединенных между собой четырьмя горизонтальными перекладинами. Верхняя кромка имеет плавный контур, сходящийся к двум возвышениям над ручками. Ручки сложной зооморфной формы с изображением передней части туловища горного козла. Согнутые ноги животного образуют дополнительную ручку в форме замкнутого кольца (для одного пальца). От нее дугообразно отходит третья ручка, которая соединяется с одной из перекладин. От кромки по внешней поверхности корпуса проходит выпуклый горизонтальный поясок. Ручки с обеих сторон соединяет рельефно вырезанная цепь с рогообразным орнаментом по центру.

Автор, Сабанов Хаджумар Тазеевич, родился 4 апреля 1929 года в живописном высокогорном селении Нар Дигорского района Северной Осетии. С 1947 г. начинает работать с деревом, вырезать чаши для пива и другие традиционные предметы быта. В 1962 г. с семьей переезжает в село Камбилеевское. Хаджумар работает сначала столяром, затем токарем в сувенирном цехе. Его деревянная посуда и скульптура «Лошадь и волк» были впервые показаны в 1969 г. на республиканской выставке самодеятельного искусства. В последние годы жизни активно занимался живописью, выполненной в стиле «наивного искусства».

Произведения народного мастера выставлялись в Англии, ГДР, ФРГ, Чехословакии, Польше, Болгарии. Имеет звания заслуженного художника Северо-Осетинской АССР, а также народного художника Северной Осетии. Кроме того, в 2011 году его наградили медалью «Во славу Осетии».

Небольшая заметка урбаниста - І

Автор: Евгений Цей
Дата создания: 1977
Техника: холст, масло, коллаж

Евгений Цей (1924-1982) - культовая фигура для изобразительного искусства Кубани. Фронтовик, прошедший Великую Отечественную войну, он участвовал в первой московской выставке авангардистов и был своеобразной осью кубанского андеграунда 1960-1970-х. Единственную персональную выставку Евгения Цея при его жизни провела в 1972 году в Краснодарском художественном училище искусствовед Инга Дмитриевна Май. Работы цикла «Сатирические сюжеты» не разрешила вывесить администрация училища. Так они и простояли три дня вдоль стен кабинета искусств. Выставка эта, несмотря на кратковременность, вызвала небывалый интерес в среде художественной молодёжи.

Автор обладал способностью модифицировать художественные образы сквозь призму собственной эстетики. Об этом говорят оммажи на работы Гойи, Матисса и Пикассо. Краснодарский нонконформист перерабатывал известные сюжеты, привнося в них черты своей эпохи. Художественная самобытность краснодарского нонконформиста соткана из этнического колорита, мифологии и театральной декоративности. Стилистическая полифония в творчестве варьируется от сюрреализма, экспрессионизма до примитивизма.

«Отец-одиночка» краснодарского андеграунда умер в 1982 году, но общественная реабилитация началась лишь к концу 1980-ых, когда вышла статья о нем в «Комсомольце Кубани». Уже в 1990 году прошла первая персональная выставка. Позже прошел ряд посмертных выставок: 1994, 1996 и 2004 годах в Краснодаре, в 1991, 1994, 2006, 2018 годах — в Майкопе. Сегодня имя художника находится в отечественной истории искусства в одном пророческом ряду с Эрнестом Неизвестным, Вадимом Сидуром и другими яркими представителями советского нонконформизма.

Изображенный на картине «Небольшая заметка урбаниста – І» художник, закрывается от зрителей руками, запачканными краской. В качестве художественного материала автором использованы обрывки газет и куски сухой рыбы, органично объединенных фактурной живописью. В изображение введено все, что составляет предметность жизненных событий Евгения Цея: стакан, портрет Сальвадора Дали, фотография с сыном.

Картину художник писал для групповой выставки. Для того времени, она была новым, а значит, неприемлемым явлением в искусстве, и поэтому была отвергнута выставкомом. После представления работы появилась гневная газетная публикация. Фрагмент этой статьи после ее публикации, был введен художником в уже готовую картину. Автор статьи писал: «…Вместо создания произведений, отвечающих духу времени, интересам нашего народа, Цей, художник – оформитель базы Горплодовощторга, занялся живописанием мусорных ящиков! Отдает ли себе Цей нравственный отчет в том, кому и насколько выгодны его сюрреалистические выкрутасы?». В то время Евгений Цей вынужден был работать художником-оформителем потому, что не имел другой возможности для независимого (хотя и почти нелегального) творчества.

Мухадин Кишев «Канжальская битва»

Автор: Кишев Мухадин Исмагилович (род. 1939 г.) 
Материал, техника: картон, акрил
Год: 2008 г.

Картина написана в честь победы кабардинцев над крымскими татарами в 1708 году. Прежде чем приступить к воплощению замысла, художник изучил всю имеющуюся по этому вопросу литературу, также побывал на месте сражения для того, чтобы более тонко прочувствовать произошедшее триста лет назад событие. 

В создании картины Кишев опирался на традиции батальной живописи классиков русского и мирового изобразительного искусства. В результате художник использовал в своей работе язык восточной миниатюры, соединив ее с декоративно-ковровой пластикой традиционного народного творчества. Многоплановость с перспективным изображением позволяет охватить огромное количество деталей битвы: тревожные облака, громадный Эльбрус, сотни татарских шатров, лошадей с горящими хвостами, падающая с обрыва конница татар и конница кабардинцев, которая гонит их. Наконец, главное действие - схватка султанов и кабардинских князей на переднем плане. В самом центре поединок Каплан Гирея I с Кургоко Хатокшоко (Атажукиным). 

Ценность картины не только в том, что в ней запечатлено одно из ярких и важных событий в истории Кабарды. Дело в том, что в последние десятилетия и в русской, и в мировой художественной культуре наблюдается кризис жанра сюжетной картины, спад интереса к социальной и исторической проблематике. В этом плане батальное полотно Кишева имеет важное значение как для кавказской, так для российской и мировой культуры. 

Зураб Церетели «Я садовником родился»

Автор: Церетели Зураб Константинович (род. 1934 г.) 
Материал, техника: холст, масло
Год: 2010 г.

Произведения Зураба Церетели широко известны во всем мире. Каждый рисунок мастера, каждое живописное полотно являет собой некую галактику, созданную смелым воображением художника. С одинаковой увлеченностью, мастер исследует реальность и погружается в природу бессознательного, создавая произведения, отмеченные выразительным индивидуальным началом. 

Экспонируемый натюрморт, это – не парадный букет, созданный искусными дизайнерами из экзотических оранжерейных цветов. Он собран из простых цветов, растущих в любом саду, собран для себя, для своего дома и потому особенно мил сердцу. Изображение цветов несет в себе некоторые элементы наива и вызывает ассоциации с народным искусством узоров. Художник любуется цветами как творением Бога и рук человеческих. В своем Саду живописи художник Церетели – Садовник – творец, неотделим от своих произведений, незримо присутствуя, он воспринимается как центральный объект собственного творчества.

Плакетка со скульптурным изображением лежащего льва

Описание экспоната 
Место создания: Египет 
Материал: египетский фаянс 
Техника: формовка, обжиг 
Время создания: I в. до н. э. — I в. н. э. 
Место обнаружения: Республика Адыгея, могильник «Псенафа», курган № 1. 
Размеры: 2,4 х 1,6 см 

Плакетка из фаянса бирюзового цвета со скульптурным изображением лежащего льва относится к поздней группе изделий из египетского фаянса. В египетском фаянсе совершенно нет глины. Это его главное отличие от других сортов фаянса, которые в действительности представляют собой глиняную керамику, покрытую для гладкости и блеска окисью олова. В отличие от них наше изделие формовалось из смеси толченого кварца и натрона (химического соединения, встречающегося на дне озер). После естественного высыхания оно было подвергнуто обжигу при высокой температуре (около 950 градусов по Цельсию). Для получения фаянса разного цвета египтяне подмешивали в состав изделия окиси различных металлов. Для создания синего цвета, как в нашем случае, использовалась окись меди. 

На рубеже эр в Причерноморье резко возра¬стает интерес к амулетам, и данный экспонат является тому подтверждением. Почему из многочисленных животных для амулета был выбран именно лев? Издавна на Востоке льва знали как безжалостного и почти неудержимого убийцу, безнаказанно грабившего стада. Он часто нападал из засады, но, даже когда не охотился, его рык, раздававшийся на мили вокруг, вселял страх. Без сомнения, гораздо больше людей слышали льва, чем видели его, и это способствовало созданию мифологического представления об этом животном, которого часто ставили в одном ряду с драконом. Лев существует как бы на границе между реальным и сверхъестественным. 

В культурах народов Востока лев часто использовался в качестве символа силы. В древнем изобразительном искусстве есть множество разнородных существ с ясно выраженными чертами льва, ярким примером чему является египетский сфинкс. Уже в аккадской литературе змею называли «земляным львом». Рамсес II и Ашшурбанипал II держали живых львов, а скульптуры львов, стоявшие по краям престола Соломона, служили наглядным напоминанием абсолютной власти царя. 

Ф. Петуваш. «Автопортрет»

Автор: Феликс Муратович Петуваш 
Материал, техника: холст, масло
Год: 1985 г.

«Автопортрет» знакомит с личностью ведущего художника Адыгеи и позволяет более проникновенно понять его творчество. 

Петуваш Ф. М. - заслуженный художник России, лауреат Государственной премии Республики Адыгея, народный художник Республики Адыгея, кавалер золотой медали Российской академии художеств; окончил Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское); участник зональных, всесоюзных, всероссийских, республиканских, международных групповых выставок. Провел семь персональных выставок в Москве, Нальчике, Краснодаре, Майкопе, Туапсе и в Турции.

40 лет работает в станковой живописи, графике, монументальном и декоративно-прикладном искусстве, создал более 500 произведений. Они относятся, к реалистическому стилю и пронизаны национальным колоритом, обогащенным философской глубиной. Основные жанры в живописи - пейзажи Адыгеи, на их основе - сюжетно тематические полотна, а так же портреты и натюрморты. В графике - иллюстрации к фольклору и литературным источникам, сюжетные, аналитические и лирические композиции.

В «Автопортрете» достигнута узнаваемость и, через некоторые детали, прослежен характер. Черты лица тщательно прописаны, элементами драпировки ясно обозначена сфера интересов и, при этом, автор резко отгорожен от зрителя острой линией желтого воротника и стеклами очков. Этим приемом запечатлено свойственное адыгам стремление к утаенности самого ценного, к неполноте допустимой сказанности. Живопись пастозная, наполненная цветовыми нюансами в спектре охры.

Произведения Феликса Муратовича Петуваша обладают общественной значимостью. Они представлены в Фонде Министерства культуры, Государственном музее искусства народов Востока, Фонде Дома творчества «Челюскинская», Государственном Русском музее, Российском этнографическом музее, Национальном музее Республики Адыгея, Картинной Галерее министерства культуры Республики Адыгея, Северокавказском филиале Государственного музея Востока, Кабардино-Балкарском государственном музее изобразительных искусств, Краснодарском художественном музее, Абхазском Государственном музее, Национальном музее Чеченской Республики, в Адыгских хассах городов: Патерсон, Берлин, Анкара, Стамбул, Кфар-Кама и во многих частных коллекциях. Людмила Гунина, старший научный сотрудник, искусствовед